L'Orchestre Symphonique de Montréal

De la musique et des planètes

« Le ciel tout entier est harmonie et nombre. »

Les Grecs anciens le savaient: l’univers chante. Depuis Pythagore, l’astronomie et la musique suivent des chemins qui se croisent. Depuis des siècles, les savants en parlent et les musiciens composent des œuvres qui  tentent de capter l’harmonie cosmique. Est-elle réalité ou mythe ?

En cette Année mondiale de l’astronomie, la musique pouvait-elle ignorer cette vieille complicité, toujours actuelle ? Même si les musiciens y ajoutent une touche d’astrologie, histoire d’introduire de la poésie dans la prose scientifique.

Aussi, le programme de ce concert présente deux œuvres qui s’en inspirent: Orion de Claude Vivier (1979) et Les Planètes de Gustav Holst (1918).

Claude Vivier, Orion (1979)

Compositeur québécois, né à Montréal, le 18 avril 1948. Décédé à Paris, le 7 mars 1983.
Création à Montréal, 14 octobre 1981;Orchestre Symphonique de Montréal sous la direction de Charles Dutoit.

Observant le ciel constellé d’étoiles, Pascal avait écrit: « Le silence éternel de ces espaces infinis m'effraie. » Pour exorciser cette angoisse, on peut bien imaginer Vivier paraphraser: « L’immensité de l’espace sidéral m’émerveille », et d’écrire des musiques en réponse aux questions que notre condition humaine nous impose : O! Kosmos ! (1973), Kopernikus (1979), Orion (1979).

Devenu légende de la musique québécoise, Claude Vivier (1948-1983) a laissé une œuvre abondante, dont la richesse et la variété attirent une attention de plus en plus marquée, autant au pays qu’au-delà des frontières. Son destin bouleversant, sa personnalité attachante et pleine de contradictions lui donnent une aura d’artiste venant d’un autre monde. Ses écrits, pour la plupart autobiographiques, révèlent ses angoisses existentielles, mais aussi des secrets de son atelier de compositeur. Soulignant le vingt-cinquième anniversaire de sa mort, nombre de concerts, de rencontres et de publications lui ont été consacrés. Mais ce sont ses œuvres qui vibrent de cette sensibilité à fleur de peau, de son imaginaire à la limite de l’ésotérisme, qui touchent l’auditeur découvrant sa musique restée sur une cadence suspendue.
 
Vivier confiait dans une lettre à une amie au sujet de Kopernikus: « …ce qui m’intéresse, c’est l’idée du chercheur cosmique qui a commencé à voir plus loin que la terre…qui a donné à la race humaine la conscience que l’être humain n’était pas seul dans l’univers. » La même inspiration anime l’œuvre orchestrale Orion. Comme en témoignent les notes de composition écrites de la main du musicien:

J’irai vers la constellation des êtres mutants
Découvrir le secret de la mélodie vraie
 et de l’harmonie juste
les yeux des planètes m’apprendront
les couleurs douces et les proportions amoureuses

Cherchant la mélodie des étoiles, Claude Vivier  a choisi Orion, parmi les plus brillantes constellations du ciel nocturne qui a inspiré des mythes et légendes à travers le temps et les cultures. Il est vrai que la constellation est bien visible à l’œil nu, et le télescope Hubble donne une image éblouissante de ses nombreuses étoiles brillantes. D’ailleurs, il semble que son nom signifie « lumière des cieux » selon l'akkadien « Uru-anna ».

Pour présenter l’œuvre, laissons la parole au compositeur. Les propos dispersés donnent quelques indices précieux sur les idées musicales qui en ont tissé la trame.

Une note sommaire du programme de 1981 indique sa structure générale:

Orion comprend six sections : présentation de la mélodie, premier développement  de la mélodie sur elle-même, second développement de la mélodie sur elle-même, méditation sur la mélodie, souvenir de la mélodie et enfin la mélodie sur deux intervalles. […]

Une mélodie à la trompette, encore la trompette, comme dans Kopernikus, instrument de la mort au Moyen Âge (voir le film de Bergman et lire l’office des morts).

Des passages révélateurs se trouvent dans sa correspondance :

À mon avis je crois que Kopernikus comme Orion sont des œuvres qui dérangent. Je les ai écrites en réaction contre une certaine musique contemporaine qui voudrait que composer de nos jours soit l'équivalent d'inventer des structures. C'est de la folie, le délire du structuralisme qui se veut le seul générateur des véritables œuvres d'art et qui bannit toute inspiration provoquée par ce que j'appelle l'émotion musicale.

Plus au ras de la partition, on peut détecter quelques influences qui ont touché le style mélodique de Vivier: au premier plan, des gammes de la musique asiatique, balinaise avant tout; une certaine similarité avec les ragas indiens et de leur développement mélodique (pas très loin des procédés du plain-chant qui fascinaient Vivier); la technique répétitive des mélodies, leur développement simultané en canon à deux voix (deuxième section de la composition). Les percussions balinaises – gongs – apportent une touche exotique. La sonorité d’ensemble rappelle  Mantra  de Stockhausen, par l’incantation mélodique, par l’esprit de rituel et le regard visionnaire.
 
   *   *   *
À part Orion de Vivier,  il est intéressant de mentionner  l’existence d’un chapelet d’œuvres dans le répertoire contemporain portant ce titre. Parmi les plus récentes compositions :
Gérard Manset, La mort d’Orion (1970)
André Boukoureshliev, Orion I (1979) pour orgue, Orion II (1980), Orion III (1983).
Toru Takemitsu, Orion (1983)
Kaaija Saariaho, Orion (2003)
Philip Glass, Orion (2004)

Est-ce la mythologie grecque du chasseur légendaire ? Ou la fascination du ciel étoilé, Orion étant visible partout dans le monde? De quoi éveiller l’imagination…

   *   *   *
Franz Liszt, Concerto pour piano n. 2 en La majeur

Compositeur hongrois, né à Raiding, le 22 octobre1811, décédé à Bayreuth, 31 juillet 1886.
La première a eu lieu à Weimar, le 7 janvier 1857, Hans von Bronsart au piano, sous la direction de Franz Liszt.

Esquisses, révisions, doutes. La partition, composée au sommet de sa carrière de virtuose, entre 1839 et 1840, est restée en attente pendant des années. Remaniée, corrigée même après sa première, en 1857, l’œuvre a donné du fil à retordre à son auteur. Certainement pas à cause du manque d’idées musicales.

Dans le répertoire pianistique de Liszt, ce concerto est une véritable aventure expérimentale, portant l’indication de Concerto symphonique dans sa première version. L’œuvre est conçue en un seul grand mouvement dans lequel le piano et l’orchestre sont étroitement liés, fondus dans un tissu de complicité et de dialogue. Les révisions successives témoignent du souci d’alléger les traits de virtuosité au piano, de lui confier de subtils effets sonores, et la tâche d’assurer la continuité entre les multiples sections d’une structure en mosaïque. L’unité d’ensemble est fondée sur les variations thématiques, à travers les six sections du concerto, marquées par le changement de tempo. L’initial Adagio sostenuto assai présente le thème principal par les instruments à vent accompagnés au piano; de caractère lyrique, la mélodie crée une ambiance sereine. Ce même thème subira en cours de route de multiples transformations, rythmiques, harmoniques, mélodiques, fortement contrastantes; dans certains épisodes, il sera méconnaissable. D’abord, il passe par la version scherzo, Allegro agitato assai, suivi d’un mouvement dans le style du bel canto italien, Allegro moderato, violoncelle et piano chantant en dialogue. Ensuite il se métamorphose en marche militaire: Allegro deciso et Marziale un poco meno allegro, donnant un caractère surprenant au thème lyrique initial. Dans la séquence finale, Allegro animato, de vaste proportion, le piano se trouve au premier plan; les traits de virtuosité (octaves parallèles, trilles aux registres extrêmes, accords massifs plaqués, arpèges balayant le clavier) et l’orchestre, brillent de tous leurs feux.

Ce concerto est en réalité un poème symphonique faisant place au piano, observant l’indépendance de la musique pure. Le charme provient du caractère d’improvisation qui accompagne les transformations du thème principal, l’inattendu de ses « aventures », le caractère intense des épisodes. Le tempérament théâtral du compositeur se révèle dans sa plénitude: un drame sans paroles se joue entre le piano et l’orchestre. La victoire appartient à la musique.

   *   *   *

Gustav Holst, Les Planètes (1918)

Compositeur anglais, né à Cheltenham, le 21 septembre 1874m, décédé à Londres, le 25 mai 1934.
Œuvre composée entre 1914 et 1917, crée à Londres le 29 septembre 1918, sous la direction d’Adrian Boult.

Dans l’immensité du ciel étoilé, les planètes avaient intrigué les mages des temps anciens. L’observation de leurs orbites, distances, couleurs, brillances, apportaient les connaissances des phénomènes célestes se répercutant au sol, influençant la vie sur terre. Les deux domaines, séparés depuis le 18e siècle - astronomie et astrologie, considérées comme sœurs ennemies -  représentaient deux facettes d’une même réalité.

L’astrologie observe le cosmos du point de vue de la Terre et de ses habitants, en interprétant les faits astronomiques en langage symbolique… comme les rêves. Les symboles planétaires rassemblent l’expérience de la vie à travers les âges, répondant au désir de l’homme de pénétrer le sens caché du destin, de capter les forces qui dominent la nature et le cosmos, y trouvant le miroir de l’univers psychique que lui renvoie le ciel. 

Les secrets de l’astrologie fascinent toujours l’imaginaire des artistes et leurs œuvres établissent le lien entre le ciel intérieur - notre inconscient, et le ciel  sidéral. Est-il étonnant de constater l’immense popularité de cette suite orchestrale de Gustav Holst (1874-1934) qui ne s’est pas atténuée depuis sa création en 1918 ? Le nombre d’enregistrements, d’adaptations pour différents instruments, la multitude de films et de productions multimédia utilisant la partition des Planètes ne se comptent plus.  Les champions  toutes catégories sont les arrangements de musique populaire, surtout les groupes de heavy metal, rock et blues. Mars, le Guerrier, est leur préféré…

Sept planètes, sept mouvements composent cette suite orchestrale qui est passée par différentes étapes de composition: d’abord pour le piano, ensuite certains mouvements pour l’orgue (Neptune), avant  la version finale pour le grand orchestre. La palette sonore est imaginative, colorée, suggestive, intégrant des instruments inhabituels pour l’époque, tels que le hautbois basse, l’orgue, le xylophone, le célesta, les cloches tubulaires, et six timbales. À l’orchestre se joint le double chœur de voix féminines, placé hors scène et invisible pour le public.

Le résultat sonore envoûtant, le programme astrologique séduisant, expliquent  le succès instantané et durable auprès du grand public. Fasciné par les mystères de l’horoscope, le compositeur transpose en musique le profil symbolique de chaque planète, dominant les signes du Zodiaque, déterminant la succession des mouvements de la suite. On a aussi suggéré que l’ordre des mouvements correspondait à la distance croissante des planètes par rapport à la Terre, mais dans ce cas Vénus et Mars auraient échangé leurs places, les faits astronomiques cédant la place à la raison musicale. Il suffit d’écouter les deux mouvements pour comprendre…

Les mouvements portent les noms des planètes, empruntés aux dieux romains,  accompagnés d’un sous-titre se référant au symbole traditionnel de l’astrologie. Ils déterminent aussi le caractère programmatique de la musique.

Mars, porteur de la guerre

Prémonition de la tragédie ? Si on ne savait pas que ce mouvement fut composé quelques mois avant le début de la Première guerre mondiale, en 1914, on aurait pu imaginer qu’il en était l’écho. Intensité des cuivres, rythme angoissant, prédominance de registres graves dans les cordes, dissonances insistantes marquent l’atmosphère sombre de la planète guerrière. L’orchestration et le rythme rappellent la sonorité du Sacre du Printemps de Stravinsky.

Vénus, la pacifique

Planète de  la beauté, de l’harmonie et de l’amour qui s’expriment en musique chez  Holst par les timbres veloutés des cordes, par la fluidité des rythmes et les accords qui ignorent les percussions, les cuivres  et les nuances fortes de la planète Mars. À la fin, la harpe et le célesta ajoutent une étincelle qui fait briller l’Étoile du matin.

Mercure, le messager ailé

Pétillant, vif, astucieux, curieux de tout, il se déplace à la vitesse de l’éclair. Est-il étonnant qu’on lui ait confié tout ce qui est messagerie, poste, communication ?
 L’astrologie dit qu’il a tendance à la dispersion, mais on le lui pardonne: il est un charmeur aux talents de musicien, l’un des premiers virtuoses de la flûte. On l’entend bien dans l’orchestre de Holst: légèreté, humour, rythme ailé, arabesques de flûtes et violons.
Mercure est considéré comme le patron des marchands, des intellectuels, et aussi des voleurs. Qui dit mieux ?

Jupiter, porteur de joie

Il est Dieu de la Lumière, du Ciel clair et de la Foudre. Il commande aux étoiles et à toute la terre, afin de maintenir le bon ordre des mondes terrestres et célestes. Personnalité bienveillante, optimiste et énergique, Jupiter est aussi un bon vivant, profitant des bonnes choses de la vie. La musique de Holst lui rend justice. 

Saturne,  porteur de  vieillesse

Symbole du temps qui passe et dévore tout, mais aussi de stabilité et de profondeur dans la durée, Saturne donne l’impression de vivre dans un climat d’austérité et de pesanteur. Il émane de lui une certaine mélancolie, teintée de lassitude, opposée au type solaire de Jupiter. De nature réservée, solitaire, Saturne est porteur de sagesse ancestrale, et du poids du destin humain.

Holst lui imprime le mouvement lent d’un vieillard usé par la vie, la voix du basson, hésitante, le rythme cherchant son souffle. Il y a une beauté de crépuscule dans cette musique oppressante.

Uranus, le magicien

Planète de l’invention, de l’imprévu, de l’originalité, à la personnalité très forte. De caractère brusque, il refuse tout conformisme; c’est un hérétique type, le novateur d’avant-garde qui fait reculer les limites du possible. Il symbolise l’énergie psychique, positive et négative, sous ses multiples aspects: amour et liberté aux frontières du libertinage; intuition scientifique et tendance mystique en quête d’illumination. Holst bâtit ce mouvement sur un motif de quatre notes confié aux cuivres, puis en accélérant, intègre les timbales qui donnent à ce mouvement une sonorité étourdissante.

Neptune, le mystique

Maître des océans qui atteint parfois des abîmes, Neptune aspire à l’infini, là où le ciel et l’eau se confondent. Son monde est hors du temps, aussi bien celui de l’inconscient collectif  que des espaces du fond de mer et du fond du ciel. Il a des antennes développées pour capter les résonnances mystérieuses, hors du rationnel, guidé par son intuition.

La musique de Holst, avec l’invisible chœur de femmes, résonne en pianissimo continu, se servant des sonorités impressionnistes comme une surface d’eau reflétant la lumière. Debussy et les Sirènes ne sont pas loin. Sans mélodie, avec à peine quelques repères harmoniques et rythmiques, les sons s’évanouissent dans l’espace, laissant l’impression d’avoir franchi les frontières de l’infini.

Dujka Smoje
Professeur honoraire
Faculté de musique
Université de Montréal